EDICIÓN XVI

LO QUE TRAE EL VIENTO

Existe una palabra mapuche para designar el viento que viene favorable del sur, Waiwén. El marcado carácter austral de Carhué hace que todes les residentes de esta XVI Edición de Residencia Epecuén provengamos del norte, ya sea Santa Fé, Cordoba, Brazil, Perú, España, Bosnia, Austria o Estonia. Una construcción cardinal que la historia se ha encargado de ordenar como colonial, virando las jerarquias oriente occidente a una realidad actual norte sur. Motivados por la reversión de estas estructuras impuestas, o tal vez empujados por estos vientos favorables, ocho artistas ajenos en origen a la historia de Epecuén, vienen trabajando durante las últimas dos semanas en situar sus investigaciones en un territorio único en el mundo. Acompañades del equipo de coordinación, han trabajado una doble conexión con el entorno, desde lo matérico en paisaje a lo relacional con el paisanaje. En contacto con el barro, la sal, el agua, el aire, las ruinas, la radio, la casa de cultura o el museo y sus gentes, emergen ideas y procesos, performances y esculturas, dibujos al aire y oleos al cartón, que generan más preguntas que respuestas, en favor del diálogo sobre aquello que queremos sentir como propio. Posiciones protectoras como las de César Nuñez, que pretende consevar lo que ya se llevó el agua, performando mantas térmicas y escombros cargados de nostalgia; melancolia, que recoge Polina Izvekoa al recrear un disruptivo kisoco yugoslavo que vende pomelo, tabacos y demás productos de un Carhué atemporal; otra forma de decir eterno, como los microrganismos recolectados en el lago por Mariana Coan para cultivar la simbiosis con sus dibujos, en estetizadas placas petri; biología esencial, presente también en la literalidad del cuerpo dibujante de Beatriz Linderberg, que muta el papel por territorio y el pigmento por sus extremidades para conectar físicamente con la tierra; barros, de un lago que caprichosamente se lleva y devuelve objetos dispares, naturales o no, pero que no escapan al ojo sensible de Mariel Reyes, encargada de recolectarlos y liberarlos de su origen, en favor de diseñar un lenguaje que le permita conversar con el agua; como hace Heleliss Hoim con madera y fango, reconstruyendo compulsivamente la naturaelza sobre sí misma hasta el punto de invertir el horizonte con su escultura; ante la atenta mirada de Vanja Pandurevic cuyas investigaciones sobre la condición humana entre lo natural y la ciudad, le llevan a descubrir una localidad repleta de memoria emocional. Todas estructuras que intentamos controlar a modo de herramientas que provoquen la interlocución entre artistas, residentes, campo y urbe, sin apenas darnos cuenta de que es el vaivén el que decide nuestra posición a la intemperie, que toma cuerpo en las telas negras de Guillermo Mena para registrar, mediante dibujo y telas, el archivo del viento.

Julio C. Ortiz Vázquez

Cuando llegamos aquí, apenas éramos conscientes de que Carhué y Epecuén fueron dos pueblos vecinos pero independientes cuyas historias quedaron enlazadas de por vida, primero por el turismo y después por la catástrofe, que condujo a un nuevo proceso de turistificación en ciernes. Aquellas comunidades, en su mayoría de italianos y españoles, que se asentaron a este lado de la zanja hace más de siglo y medio, narran los contenidos de un museo que ve Carhué cuando mira hacia atrás a través de su colección, mientras que enfoca el futuro hacia Villa Epecuén, como responsable de un patrimonio al aire libre. El contraste entre esta realidad ordenada en museo para el turista, y el dinamismo de una residencia que lleva Epecuén en su nombre hace que, quienes apenas rayamos la superficie, queramos saber más acerca de cómo se construye una identidad compartida desde dos historias en un territorio único como este. Lejos de sentar opinión, esta exposición quiere proponer un punto de encuentro para las dos caras de esta misma moneda, a través del arte situado.

Una exposición con elementos y piezas recolectados por les artistas durante sus procesos en Epecuén se sitúan dentro de la propia exposición del museo compuesta por objetos de Carhué, cuya relación, más allá de la etnografía, encuentra razón de ser en otras dimensiones más cercanas a la materia y lo vivencial, proponiendo una narración emotiva y atemporal que haga florecer el relato subyacente bajo el discurso oficial. El arte como medio para generar un debate que devenga en nuevos puntos de vista, rescatados entre todas las partes vinculadas, artistas, museo, pueblos y, sobre todo y principalmente, sus habitantes.

Residentes EDICIÓN XV

Mis proyectos curatoriales han girado siempre en torno al objetivo de propiciar escenarios (prácticos y simbólicos) que fomenten el pensamiento crítico, pongan en valor la intrahistoria de los territorios de acogida y motiven la actitud de cambio por parte de la audiencia. Para ello, me valgo de desarrollos artísticos multidisciplinares, relacionados con las tecnologías digitales, el arte político, social y colaborativo, activados en el espacio público como vehículo para apelar a la ciudadanía, atendiendo al contexto de acogida, a través de la escucha activa entre artistas y agentes locales. Como cabecera teórica, siempre me han acompañado los infiernos artificiales de Claire Bishop, el campo expandido de Rosalind Krauss y el cubo blanco de Brian O’Doherty como complemento a las teorías de Lucy Lippard en torno al arte público; todos postulados que mantienen en tensión constante el concepto de museo / exposición y su relación con los tres ejes del hecho artístico, artista, espectador y contexto.

Un proceso marcadamente orgánico guiado por las propuestas de sus artistas y a partir de una necesaria conexión con el territorio de acogida, han marcado mi papel como curador invitado. Trabajar en los procesos con los residentes, acompañar las exposiciones, escribir y reflexionar sobre la propuesta y trabajos producidos, me han permitido ayudar a situar los proyectos.

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En mi práctica artística, exploro las interacciones entre el gesto, el cuerpo y otras materialidades, como piedra, barro, papel y tinta. Formas orgánicas emergen como protagonistas de un diálogo que se construye a partir de la acción de mi cuerpo, marcado por el gesto, el trazo, la respiración y el tiempo. Estas investigaciones toman forma en diversos soportes, como performances, vídeos, fotografías, pinturas y dibujos.

En mis trabajos recientes, realizo dibujos a escala corporal, utilizando barras de óleo sobre papel. Considero el dibujo un camino para conectar con el cuerpo y su sensibilidad, investigando sus capacidades y lenguajes, y resistiendo la mecanización del cuerpo. Estar en contacto con los movimientos corporales a través del dibujo se convierte en un punto de partida para cuestionar el lugar que ocupa el cuerpo en nuestra sociedad. Me interesa el tiempo del cuerpo, distinto al tiempo frenético de la ciudad.

Como parte de mi proceso artístico y con el objetivo de buscar movimientos desacelerados, practico una técnica oriental enfocada en la sensibilidad corporal llamada Do-Ho, guiada por el Sensei Toshi Tanaka, y también estudio caligrafía tradicional europea.

TEXTO DE OBRA

Para las dos semanas de residencia, propuse continuar mi investigación sobre el gesto, el tiempo, el espacio y el cuerpo.

A partir del contacto con el barro negro a orillas del lago comencé a experimentar las diversas posibilidades que el barro me ofrecía como tinta y la naturaleza como soporte. Movilizé el cuerpo en sincronía con el comportamiento del barro y con las formas ofrecidas por los árboles, el suelo, la água y las piedras.

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Mi trabajo explora símbolos que representan los sentimientos que el cuerpo narra a través de su gestualidad, tanto en su individualidad como en sus vínculos interpersonales. Desde lo más íntimo y sugerente hasta la percepción del entorno que habitamos, mi obra observa cómo nos relacionamos con el mundo natural y cómo este se transforma según nuestra visión individual y colectiva. Exploro el concepto de habitar, tanto el espacio como también cómo uno se habita a sí mismo.

Principalmente empleo técnicas textiles como el tejido, el bordado y el collage en tela para crear una experiencia sensorial que abarca lo visual y lo táctil. Además, utilizo materiales naturales y reciclados, como papel, telas y lanas, junto con tintes naturales para teñir hilos de algodón, lanas de oveja y alpaca. También busco fusionar diferentes texturas y elementos para transmitir mis conceptos artísticos mediante otras materialidades.

Mi obra es un testimonio de la conexión entre el ser humano y su entorno, explorando las emociones, los recuerdos y las experiencias que nos definen. A través de mis creaciones, busco evocar una reflexión sobre la naturaleza de nuestras relaciones personales, así como nuestro papel en el mundo que habitamos.

«Melancolía de lo inestable» explora la tensión entre las construcciones humanas y la naturaleza, inspirada en la inundación de Villa Epecuén en 1985. La obra aborda la inestabilidad de los objetos que la laguna toma y devuelve, simbolizando el fluir natural incontrolable. A través de fragmentos de construcciones y tejidos teñidos con elementos del paisaje, la intervención refleja la fragilidad y la impermanencia de la naturaleza y las ciudades.

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Through my lens, I explored themes of resilience, slow tourism, and the harmony between nature, architecture anda man, creating a compelling visual narrative that reflects the interplay of history, environment, and human connection.

During my time at Lago Epecuén, I explored the profound silence of a town left behind, now overtaken by nature. Through my photography, I examined what remains when we leave—traces of human presence in the architecture, the resilience of nature’s renewal, and the enduring stories of adaptation and survival. I focused on the delicate balance between man, nature, and built environments, revealing how places evolve and hold memories, even in abandonment.

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I explore the interaction between humans and nature through the lens of material culture. The evidence of our existence is the objects that we hold in our hands every day. I explore this topic by creating a kiosk that serves as a window into 80s. By visiting the abandoned place, the viewer can discover these objects in the ruins that seemingly still retain traces of human presence. Theproject invites viewers to consider how material objects can serve as bearers of memory and testimonies of time.

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I am a multidisciplinary artist whose work experiments the intersection between nature and human experience: my projects delve into issues such as the symbiotic relationships between humans and environment, being influenced by personal experiences and residencies in diverse locations in rural areas and in cities. I am fascinated with how nature and human structures coexist and influence one another; through the use of natural elements and architectural motifs, I try to highlight the beauty and resilience found in the natural world and in human ingenuity.

Partiendo de una práctica que une arte y biología, Mariana Coan (Sao Paulo, 1981) presenta un proyecto artístico aún en proceso, que busca simbolizar la necesaria convivencia entre Carhué y Villa Epecuén, desde el método científico como metáfora. De esta manera, el cultivo de líquenes recolectados en sus paseos por el lago, serán los encargados de colonizar pequeños dibujos de Carhué realizados por la artista, dando como resultado, en las próximas semanas, una pieza de arte orgánico consecuencia de esa simbiosis, biológica y simbólica. Mientras tanto, la artista presenta aquí un archivo de proceso, donde invita a reconstruir estos paseos durante los cuales recolectó los organismos que marcarán la plástica de su resultado, desde la fusión literal con los dibujos. Para ello, Mariana emplea un lenguaje propio del mapa turístico, reconducido a fanzine, que ayude a comunicar a quien lo porte, el objeto de su residencia, mientras la naturaleza hace su parte del trabajo.

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I draw inspiration from my observations and reflections on various themes, including the use of authority, the essence of being, and the presence or absence of empathy. My fascination with mystery, particularly the chaotic nature of the human condition, deeply influences my selection of creative topics. Through my art, I aim to explore the human experience at a time when the essentials of nature are still undervalued.

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Las catástrofes naturales, fenómenos ambientales, tormentas y derrumbes conforman un imaginario distópico y poético que recorre mi práctica artística. A través de imágenes, acciones y gestos conecto fragmentos de experiencias personales con estos sucesos en un recorrido personal y errante. Este camino se construye mediante el desplazamiento constante y la distancia, deteniéndome por un breve período de tiempo en distintas postas que conforman un mapa o territorio volátil.

Cada instancia de habitar implica un accionares específicos, un procedimiento fundamental adaptado a nuevos métodos y técnicas. Trabajo con herramientas tradicionales como el dibujo y la fotografía pero también en conjunción con nuevas tecnologías como la animación digital y el video para evidenciar cambios en los estados y fenómenos atmosféricos, explorando posibilidades que se amplían en la medida en la que experimento con nuevos medios, soportes y lugares.

El dibujo, en su versión expandida, me permite explorar las posibilidades de cada espacio en el que me muevo y adapto, tensando la dicotomía entre estatismo y movimiento, apego y desapego, y hogar y desarraigo. Es de esta manera en que mi práctica se manifiesta en intervenciones efímeras de sitio específico haciendo que cada proceso erosione y transforme tanto a mi práctica como a mi mismo.

During Residencia Epecuen, we heard of the wonderful ways the ecosystem was coming into balance and how populations like the Flammingo, are now thriving. 

This mural celebrates the beauty, balance and nature that is happening in both Epecuen and Carhue. And of course, we included the Phalarope bird- a favourite bird of Veve’s that migrates from Canada to Argentina every year. 

Like that bird, I’ve come to this town, and have found a community and a beautiful story of belonging and nature.»

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Lo astronómico, lo gravitacional y la observación del espacio exterior atraviesan mi producción a lo largo del tiempo. Tomo los datos de la realidad, los analizo y los manipulo para crear mi propio lenguaje.

Mantas isotermicas diseñado para proteger dispositivos de vuelos espaciales de la radiación Cósmica,envuelven un secreto:recubren lo que aparentan ser fragmentos de lo que fue un pueblo que termino bajo el agua.  

Núñez,protege estos fragmentos con un material que a su vez evoca al oro,mineral precioso,patrón simbólico por antonomasia del valor monetario de casi todas las cosas. 

Con esta operación Núñez protege y oculta. 

La operación cuestiona varios de los paradigmas vigentes en el Arte C.

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«I’m often asked if I always knew I was going to be an Artist, or if this was all a childhood dream, come true. My answer is always, ‘well, no.’

Simply because that dream was not culturally, economically or socially available to me.

So, to be a full-time professional Artist today is beyond a dream come true. It’s a dissolving of one world, and a leap into another. A world that I hope to make accessible to everyone through my work.

My art practice varies in medium, technique and style- and it’s very much a reflection of all of the things that I am. Sometimes traditional and pragmatic, other times, at the cutting edge of technology and entertainment. Sometimes, small, minimalist and powerfully muted, other times, vibrant, big and notably influential. 

What ties it all together is the glyph found in my artist signature- the three triangles represent a process: to challenge, to create, to transform.

Through my art- whether it’s delivered as a mural on the side of a building, a workshop delivered to at-risk groups, or a commercial art campaign- I’m always trying to bring to life something that challenges the status quo, creates beauty and interest, and transforms empty space into shared experience.  «

During Residencia Epecuen, we heard of the wonderful ways the ecosystem was coming into balance and how populations like the Flammingo, are now thriving. 

This mural celebrates the beauty, balance and nature that is happening in both Epecuen and Carhue. And of course, we included the Phalarope bird- a favourite bird of Veve’s that migrates from Canada to Argentina every year. 

Like that bird, I’ve come to this town, and have found a community and a beautiful story of belonging and nature.»