EDICION XVII

ARTISTAS TRABAJANDO
Circuito de arte a la intemperie

Sábado 22 de noviembre | 17 a 20 hs
Playa frente al Matadero de Epecuén.

TOPOGRAFÍAS DEL FIN

Pareciera que siempre estamos habitando el umbral del fin del mundo. No es sólo la inminencia del desastre, la crisis ecológica o las políticas de guerra, sino la certeza de que atravesamos duelos que apenas alcanzamos a reconocer. El capitalismo y sus modos insidiosos de extenuación nos devuelven a un lugar conocido: un paisaje que nos habla del progreso y sus insatisfacciones, de los fracasos de nuestras utopías, de las promesas rotas de una modernidad que imaginó futuros demasiado grandiosos para sostenerse.

Epecuén habita ese confín. Hay algo vertiginosamente contemporáneo y desesperanzador en sus vestigios. Sus ruinas aparecen como una especie de presagio inquietante del porvenir: un paisaje desmantelado que dejó expuesto el final de su propio mundo. Una laguna que reclama su lugar, que nos recuerda que todo es fugaz, que nada permanece, que la fragilidad de nuestros materiales es también la de las ideas que los sostuvieron.

Sin embargo, hay una resiliencia que se esconde entre sus escombros, una huella humana que se resiste a desaparecer, como si nos rehusáramos a ser olvidadxs una vez que el mundo como lo conocemos acabe de verdad. Tal vez lo que persiste ahí es una especie de melancolía por aquello que nos antecede y nos sobrevive: un recordatorio de que por más que intentemos moldear el paisaje, siempre halla la manera de deshacer lo que dejamos sobre él. ¿Acaso la laguna nos extrañará una vez que ya no estemos? ¿Cómo pedirle a la Tierra que nos guarde en su memoria?

Topografías del fin es una muestra que, a través de cuatro capítulos, convierte las ruinas de Epecuén en un laboratorio de intuiciones: un territorio donde artistas despliegan gestos, acciones, reflejos, para explorar lo que fue, lo que queda, pero también lo que podría emerger. No buscan reconstruir un futuro perdido, sino rendirse ante la idea de que el fin también contiene una promesa. En estos delirios  se abre un espacio para lo que se escapa, lo que se fuga, lo que desborda ––y sólo ahí surgen nuevas formas de construir mundo.

Aquí, el fin es también comienzo; uno que se revela como posibilidad para afinar la escucha, ensayar otros modos de relación y preguntarnos por las grietas que se abren cuando dejamos que el paisaje nos hable desde sus fisuras.

Cuando llegamos aquí, apenas éramos conscientes de que Carhué y Epecuén fueron dos pueblos vecinos pero independientes cuyas historias quedaron enlazadas de por vida, primero por el turismo y después por la catástrofe, que condujo a un nuevo proceso de turistificación en ciernes. Aquellas comunidades, en su mayoría de italianos y españoles, que se asentaron a este lado de la zanja hace más de siglo y medio, narran los contenidos de un museo que ve Carhué cuando mira hacia atrás a través de su colección, mientras que enfoca el futuro hacia Villa Epecuén, como responsable de un patrimonio al aire libre. El contraste entre esta realidad ordenada en museo para el turista, y el dinamismo de una residencia que lleva Epecuén en su nombre hace que, quienes apenas rayamos la superficie, queramos saber más acerca de cómo se construye una identidad compartida desde dos historias en un territorio único como este. Lejos de sentar opinión, esta exposición quiere proponer un punto de encuentro para las dos caras de esta misma moneda, a través del arte situado.

Una exposición con elementos y piezas recolectados por les artistas durante sus procesos en Epecuén se sitúan dentro de la propia exposición del museo compuesta por objetos de Carhué, cuya relación, más allá de la etnografía, encuentra razón de ser en otras dimensiones más cercanas a la materia y lo vivencial, proponiendo una narración emotiva y atemporal que haga florecer el relato subyacente bajo el discurso oficial. El arte como medio para generar un debate que devenga en nuevos puntos de vista, rescatados entre todas las partes vinculadas, artistas, museo, pueblos y, sobre todo y principalmente, sus habitantes.

Helena Lugo

I – Destellos

Espejismos y destellos anuncian mundos en construcción. Este capítulo reúne artistas que se aproximan al territorio desde la intuición especulativa. Sus piezas construyen paisajes inestables y fugaces donde la percepción se vuelve herramienta crítica: un modo de interrogar qué puede revelarse cuando dejamos que el territorio hable en sus brillos, vibraciones y silencios.

II – Diálogos interespecie

En este capítulo se pone en juego un modo de cohabitar que reconoce la agencia de lo no-humano y pregunta qué significa crear con y desde otras formas de vida. Aquí habitan ranas que invocan la laguna, nidos en busca de pájaros, árboles que dictan el destino de una escultura. Lo que emerge es un pensamiento interespecie que no busca representar a la naturaleza, sino participar de ella.

III – Mover el horizonte

Aquí la mirada se desplaza, se desacomoda y se fuga para intervenir la línea del horizonte como si fuera una bisagra entre lo conocido y lo posible. Las obras evidencian que mirar también es construir un mundo y que al desplazar el punto de vista, lo que emerge no es sólo otra imagen, sino otro modo de habitar el paisaje.

IV – La imagen como ruina

Lxs artistas aquí no buscan representar Epecuén tal como fue ni reconstruir su esplendor perdido, sino acompañar el desmoronamiento que afecta por igual las estructuras, la memoria y sus modos de representación. La imagen deja de ser documento estable para convertirse en huella atravesada por la sal, la humedad, el viento y el olvido.

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Residentes EDICIÓN XVII

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Mi práctica explora la relación entre arte y ciudad mediante obras visuales e intervenciones urbanas. Trabajo pintura, instalación, muralismo y performance como dispositivos para leer y tensionar el entorno. Cada pieza emerge de investigaciones sobre memoria, territorio y capas socioculturales que configuran lo público como un espacio en disputa. Me interesa indagar en lo poético y lo disruptivo fuera de los marcos tradicionales, generando experiencias situadas que interpelan al paisaje y a quienes lo habitan.

Instalaciones poéticas, un diálogo con las ruinas y su paisaje para cuestionar el destino del lugar. Trabajo con palabras, luz, sol, reflejos, destellos y agua, considerando las luces y sombras de su historia: los brillos de su época dorada y la condición cambiante del agua, que alguna vez recuperó su lugar.
Las instalaciones son cuestionamientos que bañan los muros o se posan con cuidado para exponer sobre la memoria, el peso de las palabras, las ausencias y la fugacidad del tiempo.

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Mi trabajo explora símbolos que representan los sentimientos que el cuerpo narra a través de su gestualidad, tanto en su individualidad como en sus vínculos interpersonales. Desde lo más íntimo y sugerente hasta la percepción del entorno que habitamos, mi obra observa cómo nos relacionamos con el mundo natural y cómo este se transforma según nuestra visión individual y colectiva. Exploro el concepto de habitar, tanto el espacio como también cómo uno se habita a sí mismo.

Principalmente empleo técnicas textiles como el tejido, el bordado y el collage en tela para crear una experiencia sensorial que abarca lo visual y lo táctil. Además, utilizo materiales naturales y reciclados, como papel, telas y lanas, junto con tintes naturales para teñir hilos de algodón, lanas de oveja y alpaca. También busco fusionar diferentes texturas y elementos para transmitir mis conceptos artísticos mediante otras materialidades.

Mi obra es un testimonio de la conexión entre el ser humano y su entorno, explorando las emociones, los recuerdos y las experiencias que nos definen. A través de mis creaciones, busco evocar una reflexión sobre la naturaleza de nuestras relaciones personales, así como nuestro papel en el mundo que habitamos.

«Melancolía de lo inestable» explora la tensión entre las construcciones humanas y la naturaleza, inspirada en la inundación de Villa Epecuén en 1985. La obra aborda la inestabilidad de los objetos que la laguna toma y devuelve, simbolizando el fluir natural incontrolable. A través de fragmentos de construcciones y tejidos teñidos con elementos del paisaje, la intervención refleja la fragilidad y la impermanencia de la naturaleza y las ciudades.

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Through my lens, I explored themes of resilience, slow tourism, and the harmony between nature, architecture anda man, creating a compelling visual narrative that reflects the interplay of history, environment, and human connection.

During my time at Lago Epecuén, I explored the profound silence of a town left behind, now overtaken by nature. Through my photography, I examined what remains when we leave—traces of human presence in the architecture, the resilience of nature’s renewal, and the enduring stories of adaptation and survival. I focused on the delicate balance between man, nature, and built environments, revealing how places evolve and hold memories, even in abandonment.

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I explore the interaction between humans and nature through the lens of material culture. The evidence of our existence is the objects that we hold in our hands every day. I explore this topic by creating a kiosk that serves as a window into 80s. By visiting the abandoned place, the viewer can discover these objects in the ruins that seemingly still retain traces of human presence. Theproject invites viewers to consider how material objects can serve as bearers of memory and testimonies of time.

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I am a multidisciplinary artist whose work experiments the intersection between nature and human experience: my projects delve into issues such as the symbiotic relationships between humans and environment, being influenced by personal experiences and residencies in diverse locations in rural areas and in cities. I am fascinated with how nature and human structures coexist and influence one another; through the use of natural elements and architectural motifs, I try to highlight the beauty and resilience found in the natural world and in human ingenuity.

Partiendo de una práctica que une arte y biología, Mariana Coan (Sao Paulo, 1981) presenta un proyecto artístico aún en proceso, que busca simbolizar la necesaria convivencia entre Carhué y Villa Epecuén, desde el método científico como metáfora. De esta manera, el cultivo de líquenes recolectados en sus paseos por el lago, serán los encargados de colonizar pequeños dibujos de Carhué realizados por la artista, dando como resultado, en las próximas semanas, una pieza de arte orgánico consecuencia de esa simbiosis, biológica y simbólica. Mientras tanto, la artista presenta aquí un archivo de proceso, donde invita a reconstruir estos paseos durante los cuales recolectó los organismos que marcarán la plástica de su resultado, desde la fusión literal con los dibujos. Para ello, Mariana emplea un lenguaje propio del mapa turístico, reconducido a fanzine, que ayude a comunicar a quien lo porte, el objeto de su residencia, mientras la naturaleza hace su parte del trabajo.

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I draw inspiration from my observations and reflections on various themes, including the use of authority, the essence of being, and the presence or absence of empathy. My fascination with mystery, particularly the chaotic nature of the human condition, deeply influences my selection of creative topics. Through my art, I aim to explore the human experience at a time when the essentials of nature are still undervalued.

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Las catástrofes naturales, fenómenos ambientales, tormentas y derrumbes conforman un imaginario distópico y poético que recorre mi práctica artística. A través de imágenes, acciones y gestos conecto fragmentos de experiencias personales con estos sucesos en un recorrido personal y errante. Este camino se construye mediante el desplazamiento constante y la distancia, deteniéndome por un breve período de tiempo en distintas postas que conforman un mapa o territorio volátil.

Cada instancia de habitar implica un accionares específicos, un procedimiento fundamental adaptado a nuevos métodos y técnicas. Trabajo con herramientas tradicionales como el dibujo y la fotografía pero también en conjunción con nuevas tecnologías como la animación digital y el video para evidenciar cambios en los estados y fenómenos atmosféricos, explorando posibilidades que se amplían en la medida en la que experimento con nuevos medios, soportes y lugares.

El dibujo, en su versión expandida, me permite explorar las posibilidades de cada espacio en el que me muevo y adapto, tensando la dicotomía entre estatismo y movimiento, apego y desapego, y hogar y desarraigo. Es de esta manera en que mi práctica se manifiesta en intervenciones efímeras de sitio específico haciendo que cada proceso erosione y transforme tanto a mi práctica como a mi mismo.

During Residencia Epecuen, we heard of the wonderful ways the ecosystem was coming into balance and how populations like the Flammingo, are now thriving. 

This mural celebrates the beauty, balance and nature that is happening in both Epecuen and Carhue. And of course, we included the Phalarope bird- a favourite bird of Veve’s that migrates from Canada to Argentina every year. 

Like that bird, I’ve come to this town, and have found a community and a beautiful story of belonging and nature.»

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Lo astronómico, lo gravitacional y la observación del espacio exterior atraviesan mi producción a lo largo del tiempo. Tomo los datos de la realidad, los analizo y los manipulo para crear mi propio lenguaje.

Mantas isotermicas diseñado para proteger dispositivos de vuelos espaciales de la radiación Cósmica,envuelven un secreto:recubren lo que aparentan ser fragmentos de lo que fue un pueblo que termino bajo el agua.  

Núñez,protege estos fragmentos con un material que a su vez evoca al oro,mineral precioso,patrón simbólico por antonomasia del valor monetario de casi todas las cosas. 

Con esta operación Núñez protege y oculta. 

La operación cuestiona varios de los paradigmas vigentes en el Arte C.

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